GRANDES MAESTROS DE LA PINTURA
La denominación "arte románico"engloba la producción artística del Occidente europeo durante los siglos XI y XII, inmediatamente a continuación del desarrollo del arte prerrománico de los países invadidos por los pueblos bárbaros.
En el periodo románico, los manuscritos del norte de Europa no denotaban ningún estilo concreto; algunas iluminaciones eran de inspiración clásica, mientras que otras señalaban un nuevo estilo de dibujo, enérgico y muy acusado,
El nombre de "gótico"se refiere para designar al arte de la Edad Media, o sea el arte comprendido entre la Antigüedad grecorromana y el Renacimiento. Este movimiento artístico fue predominante en la esta época que data alrededor de 1150.
Entre las muchas características que definen la pintura de este periodo se encuentra la exquisita atención a los detalles, que denota una perspicaz observación de los seres humanos y de la naturaleza por parte del pintor. Las pinturas góticas son caracterizadas por las figuras alargadas que son sumamente decoradas. Hay a menudo poco intento de representar el espacio tridimensional y la perspectiva que ha sido empleada es por lo general aleatoria y poco convincente.
En el periodo gótico que siguió se introdujo un gran repertorio de medios técnicos, y la pintura dejó de ser exclusiva de los monasterios.
Simultáneamente a la revolución operada en el mundo de las letras y en el de las ideas, a principios del siglo XV surgió en Italia un movimiento artístico conocido por la Rinascita, que alcanzaría un impulso extraordinario. Durante el mismo, se produce un fuerte proceso de liberación de la individualidad del artista.
Siguiendo los modelos de la Antigüedad clásica greco-romana y gracias a la búsqueda de las bases científicas del arte, surge en Florencia el primer Renacimiento, correspondiente al siglo XV o Quattrocento.
Durante la segunda fase del Renacimiento o Cinquecento (siglo XVI), la hegemonía cultural pasó de Florencia a Roma, donde los papas, con su labor de mecenas culturales, fueron auténticos impulsores del arte.
Los artistas generalmente mostraban en sus pinturas el cielo y santos, y llevaron poca relación a lo que se encontraba con la tierra. Sin embargo, el hombre comenzó a realizar (comprender) su importancia y efecto sobre el mundo. Las figuras se hicieron más realistas, el espacio se hizo más verdadero y la historia cristiana comenzó a ser vista de un punto de vista humano.
Un desarrollo del estilo renacentista. Generalmente se ve al manierismo como una reacción contra la armonía, la orden y la perfección de los siglos XV y XVI. El estilo era frecuente en Italia entre 1520 y 1600.
El manierismo se caracterizó por su estilo sofisticado, artificioso y muy intelectual.
El término proviene en el empleo de la palabra "maniera", queriendo decir "la elegancia" y significando la gracia, el equilibrio y la armonía. La palabra ha desarrollado una variedad de significados; sin embargo, esto generalmente es asociado con el arte y los artistas quien abiertamente demostraron la habilidad excesiva, el virtuosismo, y el capricho.
El manierismo estuvo caracterizado por un empleo de colores brillantes, casi chillones, composiciones complicadas, exageración en las formas y el movimiento dramático. Se confería más importancia a la complejidad y a la distorsión que a la armonía de las líneas, al color o a la composición; en el manierismo, hasta las pinturas religiosas resultaban inquietantes para el espectador.
El estilo barroco floreció en Roma. Tradicionalmente se le denomina así a este período que transcurre desde 1600 a 1750. La especial actitud estilística que caracteriza al arte barroco alcanzó un momento de madurez en Italia hacia 1630 y se desarrolló en los cuarenta años siguientes. A partir de este momento se difundió por todas las naciones de Europa, adquiriendo particular importancia en España y en las ciudades hispanoamericanas.
A mediados del siglo XVIII, el estilo neoclásico destruyó las extravagantes formas a las que había llegado el Rococó, restaurando la sencillez de las formas antiguas.
Sus objetivos eran la vuelta a valores Clásicos y al renacimiento de los estilos elegantes del arte de la Antigua Griega y Romana.
Este resurgimiento clásico en las artes se debió a diferentes acontecimientos. En primer lugar, a mediados del siglo XVIII, se iniciaron muchas excavaciones arqueológicas en Italia y en Grecia, y se publicaron libros con dibujos de antiguas construcciones que los arquitectos ingleses y franceses copiaron con avidez. En segundo lugar, en 1755, el historiador del arte alemán Johann Joachim Winckelmann publicó su ensayo Gedanken über die Nachahmung der Griechischen Werke in der Malerei und Bildhauerkunst (Reflexiones sobre la imitación de las obras griegas en la pintura y la escultura), ensalzando la escultura griega. Esta obra, que ejerció gran influencia sobre los artistas
Los teóricos del arte de este período definieron las nuevas tendencias neoclásicas afirmando que la belleza ideal no existe en la naturaleza, sino que corresponde al hombre crearla con la fuerza de su espíritu artístico.
Este estilo se caracterizó por una preferencia en las líneas y la simetría, y por su préstamo frecuente de fuentes Antiguas.
Los máximos exponentes de la pintura neoclásica son franceses, pues en esta época París vuelve a ser el principal centro creador de novedades artísticas.
Un movimiento en las artes que prosperaron en Europa del norte y EE. UU durante la etapa tardía del siglo XVIII y los inicios del siglo XIX.
El romanticismo es tan variado en sus manifestaciones que una definición sola es casi imposible.
Frente al racionalismo del siglo de las Luces, el Romanticismo preconiza un culto a los sentimientos, una adoración de la sensibilidad o, aún mejor, de la sensualidad. Los románticos conciben el objeto artístico como la expresión inmediata del sentimiento, como la autorrealización espontánea de la individualidad del artista.
Estos dieron vuelta a las disciplinas intelectuales y colocaron la importancia sobre la imaginación y la expresión individual.
El realismo supone el intento por describir el comportamiento humano y su entorno, o por representar figuras y objetos tal y como actúan o aparecen en la vida cotidiana. Esta tendencia ha existido periódicamente a través de la historia en todas las artes; sin embargo, el término se restringe habitualmente al movimiento que comenzó a mediados del siglo XIX como reacción frente al romanticismo.
El naturalismo va a ser una de las respuestas más inmediatas y concretas a las nuevas necesidades.
Dentro de los parámetros marcados por la Iglesia, Caravaggio, uno de los primeros artistas con leyenda negra, establece unos rasgos estilísticos que causaron furor en la Europa contrarreformista del siglo XVII.
El fenómeno artístico más significativo de la segunda mitad del siglo XIX (1860) es el surgimiento en Francia del movimiento pictórico del Impresionismo, que afirmó su espontaneidad creadora frente a todas las reglas académicas y buscó el valor de sus pinturas en la percepción inmediata de los colores. Es decir: apareció como reacción contra el arte académico.
El movimiento impresionista se considera el punto de partida del arte contemporáneo.
En el siglo XVII Jan Vermeer había utilizado fuertes contrastes de luces y sombras para bañar sus lienzos de luz natural. Diego Velázquez en el mismo siglo y Francisco de Goya a finales del siglo XVIII captaron la impresión lumínica mediante la eliminación de sombras secundarias y la introducción de zonas de luz en detrimento de la nitidez de los contornos. Su pincelada también preludio la de los impresionistas franceses.
Aunque los hallazgos del impresionismo francés resultaron decisivos para la pintura del siglo XX, los intentos por plasmar los efectos de la luz natural no eran nuevos. El impresionismo francés influyó en artistas de todo el mundo.
El nombre del movimiento ha sido inspirado por una de las pinturas de Claude Monet.
El principal precursor del movimiento impresionista fue Edouard Manet y las figuras principales del movimiento fueron: Edgar Degas, Claude Monet.
El Postimpresionismo, término que engloba los diferentes estilos pictóricos que sucedieron en Francia al impresionismo, entre 1880 y 1905 aproximadamente. Fue acuñado por el crítico británico Roger Fry en 1910, con motivo de la exposición celebrada en Londres de pinturas de Paul Cézanne, Paul Gauguin y Vincent van Gogh. Además de estos tres artistas, también se incluyen en esta corriente Henri de Toulouse-Lautrec y Georges Seurat.
Aunque los postimpresionistas basaron su obra en el uso del color experimentado por los impresionistas, reaccionaron contra el deseo de reflejar fielmente la naturaleza y presentaron una visión más subjetiva del mundo.
La obra de Cézanne, Gauguin y Van Gogh se caracterizó por un uso expresivo del color y una mayor libertad formal. Cézanne se interesó por resaltar las cualidades materiales de la pintura, representando seres vivos y paisajes, volúmenes y relaciones entre superficies, como en Pinos y rocas (1895-1898, Museo de Arte Moderno, Nueva York). Su interés por las formas geométricas y la luz prismática inherente en la percepción de la naturaleza anticipó los experimentos del cubismo.
Paul Cézanne (1839 – 1906) representa la primera reacción importante contra el Impresionismo al abogar por un más adecuado tratamiento de la forma y el volumen. Su consideración de que todas las formas naturales podrían reducirse a la combinación de esferas, conos y cilindros, le convierte en un precursor del cubismo.
Paul Gauguin (1848 – 1903), que se había iniciado en el Impresionismo, creó su propio estilo, hecho de formas simplificadas, colores planos, y nitidez del dibujo. A pesar de que su obra recibió los elogios de la crítica independiente, decidió trasladarse a Tahití en busca de un país ingenuo que todavía poseyese el encanto de lo natural. Allí pintó sus obras maestras: Mujeres en la playa, En el mercado, ¿De dónde venimos, quiénes somos, adónde vamos?
El iniciador del Cubismo es el español Pablo Picasso (1881 – 1973). Después de atravesar su "período azul", caracterizado por la preponderancia de ese color y por la descripción de seres marginados, y su "período rosa", en el que su temática es algo menos trágica y se basa fundamentalmente en la reproducción de acróbatas y saltimbanquis, Picasso realiza Les demoiselles d’ Avignon, su primera tela cubista (1906). A esta obra le siguen La fábrica de Horta de Ebro, Retrato de Kahnweiler, El aficionado y después, sus telas sintéticas, en las que el artista sigue ya un criterio claramente geométrico, patente en obras como Ma Folie, El violín del café, y anuncia su salida del cubismo con Los tres músicos.
La principal característica del arte abstracto es el hecho de que prescinde de cualquier vínculo con la realidad natural objetiva, aunque esta realidad puede ser, naturalmente, el punto de partida de la inspiración del artista. El arte abstracto rechaza la representación de las apariencias de la naturaleza y la sustituye por líneas, formas y colores. A veces, utiliza también otros materiales, como fragmentos de objetos naturales es propio y colocados en nueva dimensión, en la que pierden sus características objetivas y utilitarias para convertirse en meras referencias plásticas, en objetos esféricos.
Giotto revoluciona el arte occidental.
El pintor italiano Giotto di Bondone es el autor de
la serie de frescos de la capilla de la Arena, en Padua. Su arte se centraliza
en lo humano y en lo real más que en lo divino y lo ideal, lo cual se convirtió
en un planteamiento revolucionario en una época dominada por la religión.
El arte de Giotto es considerado como una propuesta de transformadora, que dominó el arte medieval y
un considerado detonante del renacimiento, sus obras fueron el punto de
inflexión entre el bizantino y la baja edad media y el realista y humanista que
floreció en el renacimiento.
Giotto adoptó el lenguaje visual de la pintura en
darles profundidad volumen y peso, (perspectiva), lo que quiere decir que el
artista es el gran iniciador en la pintura del espacio tridimensional.
Botticelli.
Nació en 1445 en
Florencia Italia, fue uno de los grandes pintores destacados del renacimiento
florentino, tuvo gran influencia de síntesis entre el nuevo control de formas
tridimensionales, caracterizado por la elegancia de su trazo, su carácter
melancólico, la fuerza expresiva de sus líneas en los rostros y gestos, y de
los detalles tardíos (herencia estilo gótico tardío) lo cual le permitió desarrollar
un estilo propio o personalizado. Entre sus obras más destacadas encontramos el
nacimiento de venus, la cual se caracteriza por ser una alegoría donde el
pintor, quiso representar el amor pagano y cristiano. Representado a la tierra
o a la primavera en la mujer que acude a cubrir a la delicada venus con su
manto. A la izquierda aparecen Céfiro y cloris que representan el amor pagano.
Tiziano.
El Centro de Estudios de Tiziano y otros
autores determinan que su nacimiento debió producirse entre 1480 y 1485, en
Italia, desechando otras fechas por la precocidad demasiado sospechosa a juicio
de algunas obras iniciales. Esta última opinión es la que está más consolidada.
Este maestro fue considerado líderes de la nueva escuela de "arte
moderna" de pintura, que adquirió modos de ejecución más flexibles, libres
de la simetría y el hieratismo. Tiziano toma una obra anterior de Giorgione como
modelo para su Venus de Urbino (1538). En esta obra se aprecian la riqueza cromática
y la maestría compositiva características del artista.
Tiziano estaba en la cumbre de su fama: hacia
1521, tras la realización de un San Sebastián para la Nunciatura papal en
Brescia trabajo del que existen innumerables réplicas los encargos se acumulaban
en su taller.
finalmente,
crea una fórmula clásica, cuyo mejor exponente es el Retablo o Pala de Pesaro
(1526). Ésta es, quizá, su obra más estudiada del período, en la cual
desarrolló pacientemente un plan de trabajo basado en una libre visualización,
originalidad y estilo. Tiziano les concedió un uso nuevo a las figuras, estando
los "donantes" y la comitiva de santos situados en el espacio aéreo
de la escena, mientras que el conjunto quedaba enmarcado por elementos
arquitectónicos. Tiziano se dedicó a cultivar un estilo cada vez más dramático.
Fue éste el momento de mayor prestigio social y prosperidad económica. En 1540
recibió una pensión anual de 200 coronas de Alfonso de Ávalos, marqués del
Vasto y gobernador del Milanesado, que posteriormente sería doblada por el
emperador a cargo del tesoro de Milán. Otra fuente de ingresos fue el contrato
obtenido en 1542 para abastecer de grano a Cadore, sitio que visitó casi cada
año y donde tenía mucha influencia por ser su pueblo natal. Durante sus últimos veinticinco
años (1550-1576), el artista quedó absorbido cada vez más por su faceta de
retratista y se volvió más autocrítico, con un insaciable perfeccionismo que le
impidió terminar muchas obras.
Rafael.
Pintor renacentista italiano considerado como
uno de los más grandes e influyentes artistas de todos los tiempos. En sus
obras supo interpretar el ideal de belleza clásico propio del humanismo,
convirtiéndose, junto con Miguel Ángel y Leonardo da Vinci, en el máximo
representante de la pintura del cinquecento.
Entre las obras de Rafael
realizadas en Perugia destacan dos grandes composiciones: la tabla del retablo
de Città di Castello, en la que representa la Crucifixión con dos ángeles,
la Virgen y los santos Jerónimo, Magdalena y Juan Evangelista (1503,
National Gallery, Londres
El dibujo de Rafael, las formas redondas, suaves y
de delicado sombreado son características del arte del artista, es probable que
este dibujo a sanguina fuera un estilo preliminar para un cuadro.
En el otoño de 1504, Rafael
se trasladó a Florencia, donde permaneció hasta 1508. El arte florentino
influyó de forma decisiva en el desarrollo de su pintura, que adquirió un
marcado clasicismo derivado del estudio de la obra de reconocidos pintores
contemporáneos suyos, como Leonardo da Vinci, el joven Miguel Ángel y Fra
Bartolomeo, de quienes aprendió sus métodos de representación de luces y
sombras, sus estudios anatómicos y sus actitudes dramáticas. En esta época
cambió su forma de pintar, basada en las composiciones geométricas y el interés
por la perspectiva, hacia unas maneras más naturales y suaves de gran claridad
y equilibrio compositivo. Las figuras de Rafael recogen el ideal de belleza del
renacimiento y de la devoción cristianas.
Durante este periodo también son
abundantes sus representaciones de la Sagrada Familia como la Sagrada
Familia del cordero (c. 1507, Museo del Prado, Madrid) o la Sagrada
Familia Canigiani (1507-1508, Alte Pinakothek, Munich), donde se une
al grupo santa Isabel, en las que refleja su preocupación por la relación entre
las figuras a través de los gestos y las miradas, recogido sobre todo de las
composiciones leonardescas.
Los encargos más importantes que
Rafael recibió durante su estancia en Florencia procedían de Umbría. Su
composición más original en este periodo es el Entierro de Cristo (1507,
Galería Borghese, Roma). Forma parte de un retablo y muestra la fuerte
influencia de Miguel Ángel en la disposición y actitudes de los cuerpos y en el
tratamiento anatómico de los mismos.
Periodo Romano.
En 1508, Rafael se trasladó a
Roma, requerido por el papa Julio II a petición de Bramante, quien le encarga
la decoración mural de cuatro pequeñas habitaciones en el palacio de la Ciudad
del Vaticano, nombrándole en 1509 pintor del palacio. Este encargo marca el
comienzo de un periodo de intensa actividad en la que Rafael precisó de la
ayuda de numerosos discípulos y alumnos.
La Escuela de Atenas, situada
debajo de La filosofía, es probablemente la obra más famosa de toda su
producción. El pintor ha ubicado la escena dentro de un espacio arquitectónico
clásico. Las figuras se sitúan en una escalinata formando distintos grupos, presididos,
en la zona central, por los dos grandes filósofos: Platón, ya anciano, y
Aristóteles, acompañados por numerosos personajes, como Sócrates, Epicuro,
Tolomeo, Pitágoras, Arquímedes e incluso algunos de sus contemporáneos, como
Miguel Ángel en primer plano escribiendo sus sonetos, y otros sin identificar.
La presencia de esculturas clásicas (Apolo y Minerva), así como las bóvedas de
casetones y los espacios abiertos que dominan el edificio, crean un marcado
efecto de perspectiva.
Rafael murió en 1520 en Roma, a
sus solo 37 años. Su pintura, con un marcado carácter personal, consiguió
integrar las influencias de los mejores maestros de su tiempo, convirtiéndose
en un modelo de referencia para posteriores generaciones de artistas, como
Ingres o los pintores prerrafaelistas.
Michelangelo Merisi da Caravaggio
Nació en Milán, el 29 de septiembre de
1571-Porto Ércole. Fue un pintor italiano activo en Roma, Nápoles, Malta y
Sicilia entre los años de 1593 y 1610. Es considerado como el primer gran
exponente de la pintura del Barroco. Utilizo el claroscuro de una forma espectacular
y realmente auténtica e innovadora, buscó incesantemente el realismo en cada
detalle, así como la precisión anatómica erótica, la luz cayendo verticalmente.
La
pintura adquirió un papel prioritario dentro de las manifestaciones artísticas,
y llegó a ser la expresión Más característica del peso de la religion en los
países católicos y del gusto burgués en los países protestantes.
Caravaggio
tuvo una notable habilidad para expresarse en determinadas escenas de
insuperable viveza la llegada de un momento cruciar.
Es también uno de los exponentes más
destacados de la escuela naturalista que surgió en Italia como oposición a la
corriente manierista triunfante durante el siglo XVI. En sus cuadros, tanto
profanos como religiosos, no utilizó otro modelo más que la cruda realidad sin
someter a los personajes a proceso alguno de idealización. Los protagonistas de
sus obras ya no son modelos ideales de yeso, sino tipos vulgares y corrientes
sacados de la vida cotidiana: mendigos, echadores de cartas, prostitutas,
borrachos y jornaleros. Esta forma de tratar las composiciones religiosas
atrajo la atención de la Contrarreforma por su carácter devocional que
facilitaba la identificación de los fieles con los modelos de santidad, aunque,
en algún caso, la excesiva vulgaridad de aquellos le valió algún problema con
la Iglesia. Fue asimismo muy importante la utilización del claroscuro para
imprimir dramatismo a sus obras. La luz, en sus cuadros, no suaviza las formas,
sino que crea fuertes contrastes que ayudan a dirigir la mirada del espectador.Personaje de temperamento explosivo y violento, tuvo una vida plagada de peleas, huidas, encarcelamientos y problemas, lo que no le impidió realizar obras marcadas por una gran capacidad de meditación y una profunda poética, tan sólo presente en los grandes maestros.
Posteriormente a tras esta serie de situaciones, muere muy
joven a la edad de 38 años, el 18 de julio de 1610.
Pedro Pablo Rubens
1577-1640), pintor barroco de la escuela flamenca, considerado uno de
los más importantes del siglo XVII, cuyo estilo se convirtió en la definición
internacional de los aspectos animados, exuberantemente sensuales, pertinentes
a la pintura barroca. Se puede destacar que este pintor, creó un arte vibrante en
el que surgen energías palpitantes a partir de la tensión entre lo intelectual
y lo emotivo, entre lo clásico y lo romántico, combinando la pincelada
intrépida, el color luminoso y la luz trémula de la escuela veneciana con la
fuerza ferviente del arte de Miguel Ángel y el dinamismo. Se dice que de joven
Rubens fue un pintor precoz, al igual que antes había sido un temprano
estudiante de las lenguas modernas europeas y de la antigüedad clásica. En
1598, a la edad de 21 años, adquirió el rango de maestro pintor en la guilda de
san Lucas de Amberes. Además, realizó obras originales, así como también copió
algunas pinturas renacentistas de la colección ducal y asistió a los inicios
del periodo barroco de los pintores italianos contemporáneos como Annibale
Carracci y Caravaggio, así como también se asoció con algunos de los más
importantes intelectuales humanistas del momento. Es importante resaltar que estaba
considerado como uno de los artistas de mayor reconocimiento mundial de su
época.
Velázquez.
Nació en 1599 en España, inició su carrera pictórica con un estilo realista y naturalista tenebrista, usando
la luz intensa y dirigida, con colores intensos dominantes tostados, sobre
fondos opacos el cual resalta las formas con mucha precisión, más adelante en
Madrid y posteriormente en Italia influenciado por grandes maestros venecianos modificó su estilo buscando siempre la luminosidad, con pinceladas sueltas de
colores transparentes. La evolución de su pintura prosiguió hacia una mayor
simplificación y rapidez de ejecución, su técnica con el paso del tiempo se
volvió más precisa y esquemática. Sus grandes obras son la rendición de Breda, retrato
ecuestre de Baltasar Carlos en 1630, retrato del papa Inocencio X en 1650, las
meninas 1656, las hilanderas en 1658, entre otros.
Francisco de Goya
Goya nació en la pequeña
localidad aragonesa de Fuendetodos (cerca de Zaragoza) el 30 de marzo de 1746.
Su padre era pintor y dorador de retablos y su madre descendía de una familia
de la pequeña nobleza de Aragón. Asistió a las Escuelas Pías de Zaragoza y
comenzó su formación artística a los 14 años, edad a la que entró como aprendiz
en el taller de José Luzán, pintor local competente aunque poco conocido, donde
Goya pasó casi cuatro años. En 1763 el joven artista viajó a Madrid con la
esperanza de ganar una beca de la Academia de Bellas Artes de San Fernando, lo cual
no consiguió en dos intentos ue que hizo . En la capital de España enlazó
amistad con otro artista aragonés, Francisco Bayeu, pintor de la corte que
trabajaba en el estilo académico introducido en España por el pintor alemán
Anton Raphael Mengs. Bayeu (con cuya hermana, Josefa, habría de casarse en
1774) tuvo una enorme influencia en la formación temprana de Goya y a él se
debe que participara en un encargo importante, los frescos de la bóveda de la
basílica de Nuestra Señora del Pilar de Zaragoza (1772, 1780-1782), y que se
instalara más tarde en la corte.
se presentó a un
concurso convocado por la Real Academia de Parma, en el que obtuvo una mención
del jurado. A su vuelta a España, se instaló en Zaragoza, donde realizó los
frescos de la bóveda del coreto de la basílica de la Virgen del Pilar y las
pinturas murales del oratorio del palacio de Sobradiel (1772). De 1774 son las
pinturas al óleo sobre muro de la iglesia de la cartuja de Aula Dei, cerca de
Zaragoza, que ya anticipan el estilo que desarrollará en los magníficos frescos
de la ermita de San Antonio de la Florida en Madrid, en 1798. En esta última fecha
comenzó a hacer grabados a partir de la obra de Velázquez que, junto con la de
Rembrandt, sería su principal fuente de inspiración durante toda su vida.
Hacia enero de 1775 Goya
se instaló definitivamente en Madrid en casa de su cuñado, Francisco Bayeu, y
comenzó a trabajar para la Real Fábrica de Tapices de Santa Bárbara. Los
cartones que realizó desde esa fecha hasta 1792 fueron muy apreciados por la
visión fresca y amable que ofrecían de la vida cotidiana española. Con ellos
revolucionó la industria del tapiz que, hasta ese momento, se había limitado a
reproducir fielmente escenas del pintor flamenco del siglo XVII David Teniers.
La mayor parte de ellos se conservan en el Museo del Prado.
Este artista, con
dificultad, conjugó el arte del rococó y el neoclasicismo. Su obra la maja
desnuda tuvo gran popularidad debido a la intriga que causó la identidad de la bella
mujer retratada.
John Constable.
Pintor inglés, maestro del
paisaje de estilo romántico. Sus obras, extraídas directamente de la
naturaleza, influyeron en los pintores franceses de la Escuela de Barbizon y en
el movimiento impresionista.
Constable nació el 11
de junio de 1776 en East Bergholt, Suffolk. En 1795, Constable conoció a George
Beaumont, que le mostró un paisaje de su colección pintado por Claudio de
Lorena, provocando en él un temprano interés en el arte. Constable empezó a
estudiar teoría del arte y en 1799 persuadió a su padre para que le permitiera
estudiar pintura en Londres con Joseph Faringdon en las Royal Academy Schools.
En esta época la Royal Academy se encontraba en un periodo de crisis y
Constable aprendió por sí mismo a pintar. Expuso sus primeros paisajes en 1802
y desde entonces se dedicó al estudio del paisaje rural inglés, desarrollando
un estilo marcadamente individual. En 1816, tras la muerte de su padre, comenzó
a recibir una renta personal y ésta le permitió, casarse con Maria Bicknell.
Sus pinturas, que se llevaban a cabo al aire libre como era costumbre en
aquella época, supusieron una innovación para el arte inglés.
Constable abandonó las
tradiciones pictóricas holandesa e inglesa descartando la aplicación de la
habitual base de color castaño y logrando efectos de luz más naturales y
brillantes, mediante el uso del color en bruto aplicado con pequeñas
pinceladas. Se esforzó en retratar el efecto de la escena, suavizando a menudo
los detalles físicos. Estaba fascinado por los reflejos en el agua, y por la
luz sobre las nubes; esto le llevó a producir muchos estudios del cielo. Desde
Londres hizo muchos viajes al campo, reuniendo material para sus obras, pero la
mayoría de sus trabajos mejor conocidos retratan la zona que rodea su lugar de
nacimiento.
Sus paisajes han
recibido diferentes consideraciones: algunos críticos ven una verdadera y
sensible traducción del escenario familiar; algunos ponen de relieve en las
obras altamente estructuradas de Constable el reflejo de tiempo idílico
perdido, durante un periodo en que la Revolución Industrial estaba cambiando
irremisiblemente el aspecto del campo.
Durante su vida y
muchos años después de su muerte, no se reconoció demasiado en Inglaterra el
trabajo de Constable. Sin embargo, en Francia, donde su famoso Haywain
(1821, National Gallery, Londres) fue exhibido por un marchante francés en el
Salón de París de 1824, fue muy admirado por el pintor francés Eugène
Delacroix, por los pintores de Barbizon, que empezaron a pintar al aire libre,
y por los impresionistas, que buscaban capturar los efectos de la luz. En 1829,
mas tarde en su carrera, fue elegido miembro de la Royal Academy. Murió el 31
de marzo de 1837 en Londres.
Entre los trabajos de
Constable se hallan Construcción de barcos cerca de Flatford Mill
(1814-1815, Museo Victoria y Alberto, Londres), El caballo blanco (1919,
Frick Collection, Nueva York), El trigal (1826) y La granja Valley
(1835), ambos en la National Gallery, Londres. Muchos de sus bosquejos al óleo
se encuentran en el Museo Victoria y Alberto de Londres, lo que ha permitido
acrecentar su reputación en Inglaterra. Se tiene la certeza de que algunos
trabajos que habían sido atribuidos a Constable son de su hijo Lionel.
Edgar Degas
Pintor y escultor francés cuyas composiciones
innovadoras, sus magistrales dibujos y su perspicaz análisis del movimiento le
convirtieron en uno de los maestros del arte moderno de finales del siglo XIX. Nació
el 19 de julio de 1834 en París, en el seno de una acaudalada familia de
banqueros. Estudió en la Escuela de Bellas Artes con un discípulo del pintor
neoclásico francés Jean Auguste Dominique Ingres; allí desarrolló la gran
técnica como dibujante que se convertiría en una de las características más
sobresalientes de su arte.
A Degas se le suele asociar con los
impresionistas y, de hecho, expuso con ellos en siete de las ocho exposiciones
que realizaron. Sin embargo, su formación clásica en el dibujo y su rechazo por
la pintura directa al aire libre dio lugar a un estilo que representó una
alternativa relacionada con el impresionismo.
Degas. A partir de 1865, influido por
el movimiento impresionista, entonces en ciernes, abandonó los temas académicos
para dedicarse a una temática contemporánea. Pero, a diferencia de los
impresionistas, prefirió trabajar en su taller y no le interesó el estudio de
la luz natural que tanto fascinó a aquéllos. A Degas le gustaban los temas del
teatro, por lo que la mayor parte de su obra representa teatros, cafés, teatros
de variedades o gabinetes y carreras de caballos. Degas fue un gran observador
del ser humano —sobre todo de las mujeres, en las que se centra gran parte de
su obra— y tanto en sus retratos como en sus estudios de bailarinas,
sombrereras y lavanderas, cultivó una objetividad absoluta, intentando atrapar
las posturas más naturales y espontáneas de sus modelos como las que podían
registrarse en las fotografías.
Su estudio de los grabados japoneses le
llevó a experimentar con ángulos de enfoque inusitados y composiciones
asimétricas. Sus obras suelen presentar los bordes cortados, como en Los
bebedores de absenta (1876, Museo de Orsay, París) o Ensayo de ballet
(1876, Museo y Galería de Arte de Glasgow). En Mujer con crisantemos
(1865, Museo Metropolitano de Arte, Nueva York), la figura femenina aparece
desplazada en un rincón del cuadro por la presencia en el centro de un gran
ramo de flores.
En la década de 1880, cuando comenzó a
perder visión, Degas empezó a trabajar con dos medios nuevos que no requerían
gran agudeza visual: la escultura y el pastel. En su escultura, al igual que en
su pintura, intentó atrapar la acción del momento, y sus bailarinas de ballet y
desnudos femeninos están representados en poses que evidencian los esfuerzos
físicos de las modelos. Sus pasteles suelen ser composiciones simples con muy
pocas figuras. Se vio forzado a recurrir a los colores brillantes y a los
gestos de gran expresividad, prescindiendo de la línea precisa y el cuidado detalle
pero, a pesar de esas limitaciones, sus últimas obras son de una elocuencia,
expresividad y grandiosidad no alcanzadas por ninguna de sus obras anteriores,
como puede verse en la excelente selección de su obra presente en el Museo de
Orsay de París.
Degas no gozó de gran fama en su época y su
auténtica dimensión artística no habría de valorarse hasta después de su
muerte, acaecida el 27 de septiembre de 1917 en París.
Paul Cézanne
Cézanne nació el 19 de
enero de 1839 en la ciudad de Aix-en-Provence, en el sur de Francia. Su padre
era un banquero acaudalado. Fue amigo de infancia de Émile Zola y, al igual que
éste, manifestó interés por el arte desde muy joven para disgusto de su padre.
En 1862, después de una serie de encarnizadas discusiones familiares, el
aspirante a artista recibió una pequeña asignación y fue enviado a estudiar
arte a París, hacia donde ya había partido Zola. Cézanne se sintió de inmediato
atraído por los elementos más radicales del mundo artístico parisino. Admiraba
sobre todo al pintor romántico Eugène Delacroix y, entre los artistas más
jóvenes, a Gustave Courbet y a Édouard Manet, que exponían obras que la mayoría
de sus contemporáneos encontraban chocantes tanto por su estilo como por su
temática.
pintor francés,
considerado el padre del arte moderno. Intentó conseguir una síntesis ideal de
la representación naturalista, la expresión personal y el orden pictórico
abstracto.
Entre todos los artistas
de su tiempo, Cézanne tal vez sea el que ha ejercido una influencia más
profunda en el arte del siglo XX (Henri Matisse admiraba su manejo del color y
Pablo Picasso se basó en su forma de componer los planos para crear el estilo
cubista). Sin embargo, mientras vivió, Cézanne fue un pintor ignorado que
trabajó en medio de un gran aislamiento. Desconfiaba de los críticos, tenía
pocos amigos y, hasta 1895, expuso sólo de forma ocasional. Estaba distanciado
incluso de su familia, que tachaba su comportamiento de extraño y no apreciaba
el carácter revolucionario de su arte.
Cézanne nació el 19 de enero de
1839 en la ciudad de Aix-en-Provence, en el sur de Francia. Su padre era un
banquero acaudalado. Fue amigo de infancia de Émile Zola y, al igual que éste,
manifestó interés por el arte desde muy joven para disgusto de su padre. En
1862, después de una serie de encarnizadas discusiones familiares, el aspirante
a artista recibió una pequeña asignación y fue enviado a estudiar arte a París,
hacia donde ya había partido Zola. Cézanne se sintió de inmediato atraído por
los elementos más radicales del mundo artístico parisino. Admiraba sobre todo
al pintor romántico Eugène Delacroix y, entre los artistas más jóvenes, a
Gustave Courbet y a Édouard Manet, que exponían obras que la mayoría de sus
contemporáneos encontraban chocantes tanto por su estilo como por su temática.
Claude Oscar Monet
Claude Oscar Monet Nació en París el 14 de
noviembre de 1840 (1840-1926), estudió
dibujo en su adolescencia, fue un pintor impresionista francés que llevó a su máxima expresión el
estudio de los estados transitorios de la luz natural. Lo cual estaba influenciado,
o se debía por el hecho de que Monet pintaba, trabajando al aire libre, paisajes y escenas de
la sociedad burguesa contemporánea. Con el tiempo, Sus experimentos al aire
libre se hacían cada vez más audaces, buscando plasmar la luz del día por medio
de la aplicación libre de colores brillantes. De este modo, deliberadamente le
dio la espalda a la posibilidad de una brillante carrera como pintor
convencional en la línea del arte oficial.
En la década de 1860 se le asoció con
el pintor pre-impresionista Édouard Manet y con otros pintores franceses que
más tarde formarían la escuela impresionista.
Paul Gauguin
Pintor postimpresionista francés, cuyos
colores exuberantes, formas bidimensionales planas y temática contribuyeron a
dar forma al arte moderno.
Nació en París el 7 de
junio de 1848 en el seno de una familia liberal de clase media; su madre era
hija de la célebre socialista y feminista Flora Tristán. Después de una
juventud aventurera, que incluye una estancia de cuatro años en Perú con su
familia y un empleo en la marina mercante francesa, se convirtió en un
prestigioso agente de bolsa de París, llevando una confortable vida burguesa
con su mujer, la danesa Mette Sophie Gad, y sus cinco hijos.
En 1874, después de conocer al
pintor Camille Pissarro y ver la primera exposición de los impresionistas, se
hizo coleccionista y pintor aficionado. Expuso con los impresionistas en 1876,
1880, 1881, 1882 y 1886. En 1882, debido a la quiebra de la Bolsa, decidió
convertir su afición a la pintura en oficio. Un año después, sus hijos y su
mujer se fueron a vivir con la familia de ésta a Dinamarca. A comienzos de 1884
él se trasladó a Ruán, donde vivía Pizarro. Hombre en la carretera (Ruán)
pintado entonces y que se encuentra en el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid
(España), es una muestra típica del estilo paisajista de Gauguin, aún dominado
por la influencia del impresionismo.
Entre 1886 y 1891 Gauguin vivió
principalmente en la Bretaña (a excepción del viaje a Panamá y Martinica entre
1887 y 1888), donde era el centro de un pequeño grupo de pintores
experimentales conocidos como la escuela de Pont-Aven. Bajo la influencia del
pintor Émile Bernard, se alejó del impresionismo y adoptó un estilo menos
naturalista, al que denominó sintetismo. Halló inspiración en el arte indígena,
en los vitrales medievales y en los grabados japoneses; estos últimos los
conoció a través de Vincent van Gogh en 1888, durante los dos meses que
vivieron juntos en Arles, en el sur de Francia. Tras el altercado en el que Van
Gogh intentó matarle, abandonó la ciudad. Su nuevo estilo, marcado por la
absorción de influencias del arte primitivo bretón, se caracterizó por la
utilización de amplias zonas planas de colores encendidos, como en el Cristo
amarillo (1889, Galería de Arte Albright-Knox, Buffalo, Estados Unidos).
en 1891, arruinado y endeudado,
se embarcó hacia Tahití escapando de la civilización europea, una sociedad
'gobernada por el oro', y de todo lo que es artificial y convencional. A
excepción de una visita a Francia entre 1893 y 1895, permaneció el resto de su
vida en las Antillas, primero en Tahití y después en las islas Marquesas. Las
características esenciales de su pintura experimentaron pocos cambios; mantuvo
la expresividad cromática, el rechazo a la perspectiva y la utilización de
formas amplias y planas. Sin embargo, influido por el ambiente tropical y la cultura
polinesia, su obra fue cobrando fuerza expresiva a medida que el tema se fue
haciendo más característico, la escala de sus cuadros mayor y sus composiciones
más simples. Su temática abarcó desde escenas de la vida cotidiana, como Tahitianas
o En la playa (1891, Museo de Orsay, París, Francia), hasta inquietantes
escenas de supersticiosa aprensión, como El espíritu de los muertos observa
(1892, Galería de Arte Albright-Knox). Su obra maestra es la inmensa alegoría,
considerada su testamento pictórico, ¿De dónde venimos, ¿qué somos, ¿dónde
vamos? (1897, Museo de Bellas Artes, Boston, Estados Unidos), pintado
inmediatamente antes de su intento de suicidio. Una modesta pensión que le
enviaba un marchante de arte de París le mantuvo hasta su muerte, el 9 de mayo
de 1903, en el pueblo de Atuana, isla de Dominica (islas Marquesas).
Sus experimentaciones atrevidas con el
color constituyen el antecedente directo del fauvismo. La fuerza de sus formas
pictóricas influyó posteriormente en la escuela expresionista.
Gustav Klimt.
Nace en Austria en 1862, fundador de la Secesión vienesa, movimiento del Art Nouveau. Hijo de
un grabador, estudió en la Kunstgewerbeschule de Viena. A partir de 1890 se
separa de los modelos académicos para ir avanzando en un estilo más personal,
donde prima la alegoría, la estilización del ornamento y la precisión en los
rostros y las manos. Ese mismo año realizó tres lienzos para el
Kunsthistorisches Museum de Viena: El arte egipcio, El arte griego
y El renacimiento italiano, todos ellos quemados en 1945 por las tropas
nazis.
En 1894 recibió un
importante encargo, la decoración del techo del aula magna de la Universidad de
Viena, para la que realizó tres murales: Filosofía, Medicina y Jurisprudencia.
Las críticas fueron numerosas, debido sobre todo a la carga erótica que
contenían los murales. Después de 1898, la obra artística de Klimt se inclinó
hacia una mayor innovación e imaginación, y asumió un aspecto más decorativo y
simbólico. En 1902, y con motivo de la exposición secesionista dedicada a Max
Klinger, Klimt realizó el friso de Beethoven para el palacio de la Secesión.
Este conjunto, junto con el que creó para el comedor del palacio Stoclet de
Bruselas, son ejemplos de la fase dorada, que durará aproximadamente hasta su
viaje a París en 1909, pudo contemplar la obra de Toulouse-Lautrec, Van Gogh y
Gauguin, lo cual supuso un cambio de dirección en su estilo: inicia la fase
conocida como caleidoscópica, donde permanece el decorativismo pero surge una
mayor diversidad de colores; el ejemplo más claro de esta época es Muerte y
vida. De nuevo Klimt emprendió un viaje en 1911, esta vez a Roma, Londres,
Bruselas y Madrid, donde pudo contemplar la obra de Velázquez. Ya en esta
década comenzó a recibir el reconocimiento internacional. En 1916 participó en
la exposición sobre la Secesión celebrada en Berlín, junto a Egon Schiele y
Oskar Kokoschka, y un año después fue nombrado miembro de honor de la Academia
de arte de Viena y de Munich. Murió en 1918, dejando numerosos encargos por
finalizar y un amplísimo catálogo de dibujos.
Henri
Marie Raymond de Toulouse-Lautrec.
Toulouse-Lautrec nació en Albi el 24 de noviembre de 1864, en el seno de una
de las familias aristocráticas más importantes de Francia.. Siendo adolescente
se rompió las dos piernas y, a causa de una enfermedad congénita por la cual no
asimilaba el calcio, durante el resto de su vida conservó un torso normal pero
las piernas no le crecieron. Su habilidad para el dibujo fue en principio
estimulada por su tío, el conde Charles de Toulouse-Lautrec,. Más tarde estudió
pintura con los academicistas franceses Joseph Florentin Léon Bonnat y Fernand
Cormon.
Fue un pintor, grabador y dibujante francés, uno
de los artistas que mejor representó la vida nocturna parisiense de finales del
siglo XIX. Pues frecuentaba los coloristas y animados cabarets del distrito
parisiense de Montmartre, el teatro, el circo y los burdeles, lo cual inspira sus obras. Por ende los recuerdos e impresiones que sacaba de estos lugares y
de sus personajes más destacados los plasmó con gran maestría en retratos y
bocetos de sorprendente fuerza y originalidad. Atrajo con su ingenio y labia a un nutrido grupo de artistas e intelectuales entre los que se encontraban el escritor irlandés Oscar Wilde, el pintor holandés Vincent van Gogh.
Toulouse-Lautrec fue un artista muy fértil. Realizó gran número
de óleos, dibujos, aguafuertes, litografías y carteles, así como también
ilustraciones para varios periódicos de entonces.. El arte japonés, de moda en
París por aquellos años, ejerció también influencia en Toulouse-Lautrec, con
sus contornos fuertemente marcados, su composición asimétrica y la utilización
de manchas de colores planos. Su obra inspiró a Vincent van Gogh, Georges
Seurat, Georges Rouault y a todos aquellos artistas interesados en el trabajo
de litografías y carteles.
Su vida desordenada,
su alcoholismo y un ataque de parálisis le llevaron a abandonar su estudio para
refugiarse con su madre en el castillo de Malromé, propiedad de la familia,
donde el 9 de noviembre de 1901 falleció.
Vasili Kandinsky
Pintor ruso Nacido en
Moscú el 4 de diciembre de 1866, estudió pintura y dibujo en Odessa, y derecho y
economía en la Universidad de Moscú. Investigó sobre las posibilidades de la
abstracción lo cual le sitúa entre los innovadores más importantes del arte
contemporáneo, también desempeñó un papel fundamental, como artista y como
teórico, en el desarrollo del arte abstracto.
A los 30 años se trasladó a Munich para
iniciarse como pintor. Aunque sus primeras obras se enmarcan dentro de una línea
naturalista, después de un viaje a París en el que quedó profundamente
impresionado por la obra de los fauvistas y de los postimpresionistas, su
pintura se hizo más colorista y adquirió una organización más libre. Hacia 1911
realizó tanto obras abstractas como figurativas, caracterizadas todas ellas por
el brillante colorido y la complejidad del dibujo.
Después de la I Guerra Mundial sus
abstracciones se volvieron cada vez más geométricas, a medida que se alejaba
del estilo fluido de su primera época para introducir trazos muy marcados y
diseños claros, un armónico conjunto de líneas, círculos, arcos y otras formas
geométricas simples. Por ejemplo, En Amarillo-rojo-azul (1925, Museo
Nacional de Arte Moderno, París) la disposición de los colores y las formas
geométricas proporciona una dimensión cósmica al cuadro, que puede ser
interpretado como la oposición entre el amarillo y el azul, símbolos en este
caso del día y la noche. En obras muy posteriores como Círculo y cuadrado
(1943, colección privada) su estilo se hace más elegante y complejo, y logra,
así, obras de un bellísimo equilibrio.
Fue uno de los artistas más influyentes
en su tiempo, Como uno de los primeros exploradores de los principios de la
abstracción geométrica o pura, puede considerarse uno de los pintores que
sembró la semilla del expresionismo abstracto. Murió el 13 de diciembre de 1944
en Neuilly-sur-Seine, en las afueras de París.
Raoul Dufy
Nació en 1877, en Havre Francia y
estudió durante un corto periodo en la Escuela de Bellas Artes de París. Fue un
pintor, artista gráfico y diseñador textil. Se dice que en un principio Dufy
estuvo sometido a la influencia de los impresionistas, pero en 1902 conoció a
Henri Matisse y a otros pintores fauvistas y cubistas que trabajaban con
colores llamativos e irreales y atrevidas formas, y terminó adoptando este
estilo al que añadió un trazo vigoroso y espontáneo, . Poco a poco su obra se
hizo más amable, alegre y luminosa, mostrando un predominio cada vez mayor de
la línea, características que fueron más evidentes en sus acuarelas. Los temas
favoritos de Dufy eran los barcos de vela, las carreras de caballos y otras
actividades al aire libre en lugares de moda. También realizó murales, como los
del palacio de Chaillot en París, así como pinturas de caballete. Cobró fama
por su obra gráfica, en especial por las ilustraciones para El bestiario (1911)
de Guillaume Apollinaire.
Pablo Ruiz Picasso.
Nace en España en 1881, pintor y escultor,
considerado uno de los artistas más importantes del siglo XX. Artista
polifacético, fue único y genial en todas sus facetas: inventor de formas,
innovador de técnicas y estilos, artista gráfico y escultor, siendo uno de los
creadores más prolíficos de toda la historia, con más de 20.000 trabajos en su
haber.
Los temas
de la obra de Edgar Degas y Henri Marie Raymond de Toulouse-Lautrec, así como
el estilo de este último, ejercieron una gran influencia sobre Picasso. El
cuadro Habitación azul (1901, Colección Phillips, Washington) refleja el
trabajo de ambos pintores y, a la vez, muestra su evolución hacia el periodo
azul, así llamado por el predominio de los tonos azules en las obras que
realizó durante estos años. En ellas reflejará la miseria humana, con
trabajadores extenuados, mendigos, alcohólicos y prostitutas, representados con
cuerpos y formas ligeramente alargadas, recordando el estilo de El Greco.
A comienzos
de la década de 1920 pintó una serie de cuadros con figuras robustas, pesadas,
escultóricas, dentro del que se ha denominado estilo ingresco, como por ejemplo
Tres mujeres en la fuente (1921, Museo de Arte Moderno) y obras
inspiradas en la mitología, como Las flautas de pan (1923, Museo
Picasso, París). Al mismo tiempo creó también extraños cuadros de bañistas
inflados e informes, con cabezas muy pequeñas y grandes cuerpos, así como
retratos de mujeres en actitudes violentas, convulsas, indicando a menudo con
ellas sus propias tensiones vitales. Aunque siempre declaró que no era
surrealista, en muchos de sus cuadros se pueden apreciar cualidades y
características propias de este movimiento artístico
Varios cuadros cubistas
de comienzos de la década de 1930, en los que predomina la armonía de líneas,
el trazo curvilíneo y un cierto erotismo subyacente, reflejan el placer y la
pasión de Picasso por su nuevo amor, Marie Thérèse Walter, con la que tuvo a su
hija Maya en 1935. Marie Thérèse, retratada muy a menudo en actitudes de
reposo, fue también la modelo del famoso cuadro Muchacha ante el espejo
(1932, Museo de Arte Moderno). En 1935 Picasso llevó a cabo la serie de
grabados Minotauromaquia, un bellísimo trabajo en el que mezcla los
temas del minotauro y las corridas de toros; en esta obra, tanto la figura del
toro como la del caballo destripado anuncian las imágenes del Guernica,
el gran mural considerado por la mayoría como una de las obras artísticas
individuales más importante del siglo XX.
A lo largo de toda su
vida la obra de Picasso se expuso en innumerables ocasiones. La más inusual de
ellas fue la que le dedicó el Louvre en 1971 con motivo del 90 cumpleaños del
artista; hasta entonces nunca se había expuesto en el museo parisino la obra de
ningún artista vivo. Picasso murió el 3 de abril de 1973 en Notre-Dame-de-Vie,
su residencia cercana a Mougins.
Amedeo
Modigliani.
Fue un pintor y escultor italiano, Nació en
Livorno en 1884 a las costas del mar mediterráneo, creció en un barrio judío. Estudió
arte en Florencia, se destaca por la elegancia y simplicidad de sus retratos y
desnudos femeninos. En 1906 se trasladó a París, donde entabló contacto con
Pablo Picasso, Jean Cocteau y otros vanguardistas de la época. Recibió
influencias del fauvismo y poco después también la de su amigo el escultor
rumano Constantin Brancusi, pero se mantuvo aislado de corrientes de gusto
contemporáneo como; el cubismo, dadaísmo, futurismo y surrealismo.
Las primeras obras de Modigliani son esculturas inspiradas en
las máscaras africanas, aunque realizó también algún que otro cuadro. Las pinturas de Modigliani, eran suaves y
delicadas, se caracterizan por su simplificación, sus líneas ondulantes, las
formas planas y las proporciones alargadas. La mayor parte de su obra la
integran retratos y estudios de la figura humana, caracterizados por los
rostros ovalados que tan popular le hicieron. Los retratos, aunque de gran
simplicidad en los contornos, revelan un considerable discernimiento psicológico
y un curioso sentido de angustia, tragedia entre otros. Alcanzó, en su mejor
obra, una mezcla del dinamismo de la escultura africana y la gracia y
refinamiento del estilo renacentista de Botticelli.
Actualmente modigliani es considerado uno de los mayores
artistas del siglo XX y sus obras se exponen en los principales museos
alrededor del mundo.
Marc Chagall
Nació el 7 de julio de 1887 en la antigua
ciudad de Vítebsk, fue uno de los más grandes artistas del siglo XX, del Arte
moderno, supo crear un estilo propio tendencia a fusionar lo viejo con lo nuevo,
la fantasía y la realidad, fue además decorador de vidrieras, ilustrador de
libros y escenógrafo. para Chagall la figura Humana seguía siendo el
tema central del arte y la pintura sobre tela el mejor medio de expresarse.
Solía decir
¨Lo que cuenta es el efecto visual de la composición… yo soy contrario al
empleo de términos como fantasía o simbolismo¨.
se distingue de algunos artistas de su época por
no perder la tradición de expresar a través de la pintura y la escultura sus
ideas, ya que en su época muchos artistas daban por muerta la pintura y la
escultura, a diferencia de ellos utilizo su imaginación para crear un estilo
original de gran fuerza expresiva, con la que el artista descubrió el mundo de
sus propios recuerdos y sentimientos transfigurados como en una fábula hasta
adquirir un significado más allá del tiempo y de la historia.
Su obra maestra llamada
Cumpleaños (1915) hace referencia a la expresión y celebración del amor de este
artista por su primera esposa. Posteriormente muere en 1985 en saint
jean cap. Ferran un barrio de Francia a sus noventa y siete años de edad.
Salvador Dalí.
Pintor y escultor
español, uno de los máximos exponentes del movimiento surrealista en su país.
Nació en Figueras,
Girona, el 11 de mayo de 1904. En 1921 ingresó en la Escuela de Bellas Artes de
San Fernando (Madrid), de donde fue expulsado en 1926. En esa época vivió en la
Residencia de Estudiantes de Madrid, donde se relaciona con Federico García
Lorca, Luis Buñuel, Rafael Alberti, José Moreno Villa y otros artistas. En
1929, durante su estancia en París, conoció a Pablo Picasso y en 1930 se
adhirió al movimiento surrealista, del que más tarde fue relegado por sus ideas
comerciales. La producción de Dalí de este periodo se basa en su método
'paranoico-crítico', inspirado en buena parte en las teorías de Freud:
representación de imágenes oníricas y objetos cotidianos en formas compositivas
insospechadas y sorprendentes, como los relojes blandos de La persistencia
de la memoria (1931, Museo de Arte Moderno, MOMA, Nueva York). Dalí se
trasladó a Estados Unidos en 1940, donde permaneció hasta 1948. Sus últimas
obras, a menudo de contenido religioso, poseen un estilo más clásico, entre
ellas cabe citar la Crucifixión (1954, Museo Metropolitano de Arte,
Nueva York) y La última cena (1955, Nacional Galería, Washington).
La técnica pictórica de
Dalí se caracteriza por un dibujo meticuloso, una minuciosidad casi fotográfica
en el tratamiento de los detalles, con un colorido muy brillante y luminoso.
Dalí realizó varias películas surrealistas en colaboración con Buñuel como Un
perro andaluz (1929) y La edad de oro (1930), libros ilustrados,
diseños de joyería, así como escenografías y vestuarios teatrales. También
escribió libros autobiográficos como La vida secreta de Salvador Dalí
(1942) y Diario de un genio (1965). Fue miembro de la Academia Francesa
de Bellas Artes desde 1979. Murió el 23 de enero de 1989 en Figueras.
Pintor, dibujante y escultor colombiano, Nacido en Medellín en 1932, en el que la monumentalidad, el humor, la ironía y la ingenuidad se combinan con un admirable dominio del oficio y gran talento.
Inicia su actividad artística en 1948 como ilustrador del periódico El Colombiano, al tiempo que participa en su primera exposición conjunta —Exposición de Pintores Antioqueños— Medellín 1948. Tres años más tarde se traslada a Bogotá y celebra su primera exposición individual (Mujer llorando, 1949). En 1952 viaja a España y sigue estudios en la Academia de San Fernando de Madrid, al tiempo que asiste al Museo del Prado donde estudia y copia la obra de Diego Velázquez y Francisco de Goya. Entre 1953 y 1955 viaja a Francia, Italia y estudia en Florencia pintura al fresco; tras su regreso en 1955, permanece un año en Bogotá (donde su obra no tuvo buena acogida), otro año en México (conoce a Rufino Tamayo y José Luis Cuevas) y en 1957 visita Estados Unidos. Allí celebra su primera exposición individual en la Pan-American Union de Washington. A los 26 años es nombrado profesor de pintura en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad Nacional de Bogotá; en 1960 se instala en Nueva York y en 1973 fija su residencia definitivamente en París.
En principio sus obras revelan cierta admiración por el muralismo mexicano y la pintura del renacimiento italiano (Partida, 1954), pero más tarde estas influencias van desapareciendo en favor de un personalísimo estilo, en el que las figuras engordan y se deforman hasta cubrir en buena parte el lienzo (Prelado, 1959); los cuadros de esos años denotan la influencia del surrealismo. La historia del arte (Autorretrato con Luis XIV visto por Rigaud, 1973), la vida burguesa (Escena familiar, 1969), la cultura colombiana (Baile en Colombia, 1980) y los personajes históricos (Luis XIV y María Antonieta en visita a Medellín, Colombia, 1990) constituyen a lo largo de su carrera las principales fuentes de inspiración, de una dilatada y variada producción en la que abundan paisajes, retratos y escenas costumbristas. Sus primeras pinturas muestran una pincelada suelta y concreta, pero poco a poco ésta se empasta, al tiempo que las perspectivas y las figuras se hacen arbitrarias en función de la importancia que tengan en la representación. Óleo, acuarela, pastel, sanguina o lápiz son manejados con gran destreza a lo largo de su obra. Botero emplea la gordura como base de una cariñosa burla para comentar ciertos aspectos de la vida (La alcoba nupcial, 1958). A partir de 1960, lleva a cabo entre su variada temática una serie de obras en las que parece rendir tributo a los grandes maestros de la pintura universal como Mona Lisa a los doce años (1959), Rubens con su esposa (1965) o Autorretrato según Velázquez (1986). Su afición por los toros le lleva en la década de 1980 a dedicarse casi en exclusiva a este tema (La pica, 1984; El quite, 1988).
CONCLUSIONES
1.- Los fundamentos necesarios que nos permiten definir la pintura son la conciencia que el artista tiene de su obra, y la conciencia complementaria que de la obra de arte tiene el contemplador ajeno a la labor creadora.
2.- La pintura está ligada indisolublemente a las necesidades extra artísticas de la sociedad en cada momento.
3.- En los tiempos prehistóricos la pintura no fue un arte propiamente dicho. Es decir que no tuvo un afán estético de expresión, sino más bien, era un medio "mágico"para propiciar la caza. Podemos afirmar esto, ya que las pinturas prehistóricas representan animales, o figuras humanas en actitudes que pueden ser directamente relacionadas con la necesidad vital de dar muerte al animal enemigo y nutricio.
4.- Para los egipcios, la pintura era una manera de perpetuar los hechos de los muertos. Por lo tanto se puede definir que la pintura egipcia funcionó como un arte funerario.
5.- La pintura en Grecia, es un elemento decorativo y secundario.
6.- Roma, es continuadora de Grecia, y por su pintura es posible adivinar el desarrollo logrado por los griegos.
7.- Durante el románico, es la miniatura la que conserva vigorosamente las esencias pictóricas.
8.- Durante el gótico, la pintura está todavía mediatizada por la arquitectura. La miniatura alcanza magníficas realizaciones.
9.- Durante el período románico y gótico, el arte del color se acrecienta considerablemente.
10.- El renacimiento significa para la pintura la integración total.
11.- El renacimiento es la época en que se ensayan nuevos colores, se alcanza la suprema sabiduría en el dibujo y en el color, brotan los escorzos, y perspectivas más atrevidas, se dignifica el desnudo, se humanizan las figuras de Dios y de los santos, y la naturaleza es colocada en primer plano, como enseñanza y goce supremos.
12.- En la época del renacimiento se definen y estructuran los elementos pictóricos tradicionales: la línea a través del dibujo, la composición; las leyes del color, los tonos afines, opuestos y complementarios, el valor de la luz, el vigor del claroscuro y la expresividad de las tonalidades medias y de las gradaciones; la importancia de los fondos; se establece la separación de los géneros, nacen el paisaje y el retrato en su sentido moderno.
13.- La eclosión impresionista francesa abrió nuevos rumbos, una nueva inquietud que multiplicó las posibilidades inacabadas del arte: el expresionismo, cubismo, abstraccionismo,...
BIBLIOGRAFÍA
OCÉANO. Enciclopedia Autodidáctica Océano. Madrid
Grupo Editorial Océano, 1990. 2240 p.
PHAIDON PRESS LIMITED. The Art Book.
Editorial Phaidon, 1994.
ENCICLOPEDIA ENCARTA
LEXIPEDIA BRITANNICA
DICCIONARIO ENCICLOPÉDICO UTEHA
Editorial Hispano Americana, 1953
PÁGINAS WEB:
http://www.artehistoria.com/frames.htm?http://www.artehistoria.com/genios/escuelas/72.htm
John Fredy Páez Pirachicán
Trabajo para taller de artes plásticas.
Grandes artistas de la pintura.
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